Io ho un sogno Lasciamo ai nostri figli un mondo migliore dove inquinamento, guerre, interessi economici e di potere, lascino il posto alla bellezza della nostra terra. Basta ai venditori di verità, alla benedizione delle armi, ai mercanti senza scrupoli, ai predicatori dell'odio, agli affaristi, ai razzisti , all'informazione becera bugiarda e assassina. Noi che siamo molto poco, facciamo cosi tanto per distruggere il sottile senso della vita. L'onnipotenza dell'uomo, si sgretola davanti alla consapevolezza del poco quali siamo. Graziano Rey Dedicato al mio amato fratello Franco e ai figli Gabriele, Guido, Michela e Morena....
arte del riuso. Struttura in metallo, smalti e calce su coppi di recupero 200 x 70 x 12 anno 2020 (disponibile) Ho realizzato alcuni lavori utilizzando una parte di superficie. Una volta preparato le basi mi sono inventato delle gradazioni di colori e di sfumature, che specialmente sui materiali ondulati hanno una resa elegante. Utilizzando smalti e sabbia ho delicatamente colorato le superfici, lasciando emergere quello che era inizialmente la storia dell’oggetto. Quest'ultimo aspetto va sostanzialmente ricondotto all'influenza ancora presente, in parte dell'attuale sistema dell'arte, della filosofia di Marcel Duchamp secondo la quale, ogni oggetto può essere arte. www.artedelriuso.it
Smalti e materiale di recupero su tavola 25 x 38 x 7 anno 2020 (disponibile) Ogni materiale racconta una storia e cela tra le sue righe un percorso di vita, un filo conduttore che ci ricorda un periodo della nostra vita, del nostro fare quotidiano. Quando viene dismesso, finisce accatastato nelle cantine, nei solai o peggio ancora abbandonato nelle discariche. Di qui nasce l’idea di utilizzare supporti in ceramica, tegole, scatole e altri materiali abbandonati che ridipinti e restaurati possano così raccontare, senza nulla nascondere, sia la storia degli oggetti, sia l’impronta creativa dell’artista. L’artista in questo caso raccoglie l’eredità dell’oggetto e lo lavora, lo sovrappone, lo scompone e ricrea una nuova dimensione, ridando vita ad un oggetto altrimenti destinato all’obsolescenza e all’abbandono. Questo stimolo risente molto dell’influenza – ancora in parte presente dell’attuale sistema dell’arte – della filosofia di Marcel Duchamp, secondo la quale ogni oggetto può essere arte. L’artista non è un replicante, un accademico disegnatore, un copista o un bravo artigiano, è un creatore di emozioni. In alcuni casi l’arte diventa provocazione, come nel caso di Piero Manzoni che realizza le scatolette di aria d’artista o di altri che con tagli e detessiture hanno fatto vivere lo spazio dietro la tela (Fontana, Emblema) oppure, diversamente, hanno osato decomporre oggetti di uso quotidiano (Arman). È così che a partire da queste premesse ha avuto inizio da Torre Pellice nel 2017 e per opera di Graziano Rey un progetto che ci ha portato ad avvicinarci sempre di più alla politica del recupero dei materiali. Ennio Martignago
Rinascita Mini personale di Graziano Rey dal 21 al 27 giugno 2021 – Inaugurazione il 21 giugno h 18 Moncalieri – Galleria via Vittorio Alfieri 40 a cura di Art & Art associazione
http://www.artesi.orgMostra promossa dall'associazione Art & Art 1/ 8 novembre 2020
http//www.grazianorey.itInaugurata il 18 luglio 2020 mostra permanente
http//www.grazianorey.itPersonale "Strutture" Galleria C.so Lepanto Torino 1/15 febbraio 2020
http//www.grazianorey.itPersonale allo studio Grigio Esclamativo Agosto 2019
http//www.grazianorey.itMaggio 2019 - Collettiva a cura del Comune di Rodello
http//www.grazianorey.itAprile 2019 - Caffè Basaglia (collettiva a cura di Anna Rita Rossi)
http//www.grazianorey.itFebbraio 2019 - Personale Galleria Idearte a cura di Anna Rita Rossi
http//www.grazianorey.itGiugno 2018 - Banca Generali (collettiva a cura di Anna Rita Rossi e Luigi Mazzardo)
http//www.grazianorey.itDicembre 2018 - Art Gallery (collettiva a cura di Anna Rita Rossi e Luigi Mazzardo)
http//www.grazianorey.itLe profezie pittoriche di Graziano Rey. Non è difficile riconoscere nella pittura di Graziano Rey , le caratteristiche di uno studio antropologico durato anni. Dopo, aver vissuto nella società dei mass media nel suo interno, come protagonista, ricordiamo che ha scritto “I ragazzi della terza c”, ha vinto il Tenco e il Viarteggio con la sua Band, ha vissuto per due anni alle isole di Tonga, compiendo quello che gli antropologi chiamano “osservazione partecipante”. Il suo lavoro è l’espressione di una sintesi di segni e significati archetipi, appartenenti a tutta l’umanità sin dai suoi albori. Allontanatosi progressivamente dal mondo fittizio dell’apparenza, incomincia a riprendere in mano un suo amore primigenio, la pittura, persuaso dal fatto che solo questa semplicità di strumenti e tecniche possano metabolizzare la quantità delle esperienze a cui è andato incontro. Argomenti che vuole comunicare avendone assimilato i principi come verità filosofica. Nella mostra che si terrà il 7 novembre al Museo d’Arte Contemporanea di Fonte Nuova nei pressi di Roma, vengono affrontate alcune delle tematiche sociali anche partendo da precisi eventi storici in cui è stata coinvolta l’umanità intera come la caduta del muro di Berlino, L’esplosione di Cernobyl, e temi legati al vecchio testamento come l’Esodo e il Diluvio universale, Davide e Golia, e loro varianti (Dalla terra nasce la vita). Quindi eventi e esperienze diacroniche e perse nello spazio e nel tempo come ad assumere senso escatologico, in quanto profetizzano la fine dei tempi in maniera individuale e collettiva tramite altri ‘segni’ dei tempi. Segni che traducono segni, parole che ne sostituiscono altre mettendo in atto la retorica dell’arte moderna e contemporanea. In apparenza la suggestione dei dipinti rupestri permutati in arte contemporanea con la vernice e le tecinche del dripping, del grattage, del frottage, del calco; tecniche prestate al Surrealismo che prevedono la commutazione di immagini in parole e viceversa e altre caratteristiche del versante onirico della realtà che la interpretano usando strumenti ancestrali paradossalmente ritornati in auge al giorno d’oggi. Il contenuto a più livelli di lettura è a sfondo sociale, mitico, pubblicitario dove i colori assumono un significato simbolico, in cui il bianco presenta la positività, la razionalità, la luce; il rosso invece rappresenta la passione, il dramma, il dolore, la sofferenza. Eventi come Il Diluvio universale in cui presenta Dio come lancia, come punitore ossia nella sua veste ambigua di padre che ama e al contempo punisce, che porta a credere e a non credere, a identificarsi nel bene o nel male accompagna i grandi fatti della storia rappresentati come metafora della propria esistenza. Per cui c’è il ritorno della famiglia e del sé con il colore nero, (Bianco e nero : quello che pare bianco poi nasconde menzogne. Dallo sporco nascono delle anime candide…) che è anche il colore usato della rimozione ovvero di tutti quegli elementi condensati che sono stati volutamente dimenticati dalla coscienza, come protagonista e proiezione di tutti i personaggi principali delle opere. Sacra famiglia che ha questa presenza di rosso perché c’è una crisi della famiglia. Così come nella propria esperienza adolescenziale, nelle notti di Cernobyl si fa riferimento all’uomo e al suo percorso verso la verità incappando in disastri umanitari ed ecologici, in cui perdono la vita migliaia di persone.
Spiare la materia Archeologie industriali sostenibili Ennio Martignago Tre Miniature accanto a “La Marcia delle Scimmie” Quello che colpisce dell’Opera di Graziano Rey è l’esplorazione dei materiali attraverso l’arte pittorica, un percorso difficilmente restituibile con le immagini di questo periodo storico dominato dalle due dimensioni della comunicazione digitale — “0–1”. Un difficile rapporto con i social media che stanno diventando sempre più le uniche gallerie possibili per l’arte nella sua dimensione seriale. Se le evocazioni cromatiche riescono a bucare lo schermo già con collezioni come Hierophanies, Echoes of Events, le Choregraphie, e le amate Città Invisibili, nessun sito può trasmettere la sensualità tridimensionale quasi scultorea degli smalti: un paradosso dove la terza dimensione cerca un titanico spazio di parto attraverso le due dimensioni della tela. Questo tentativo diventa perfino esasperato negli ultimi lavori che hanno bisogno di tele sempre più grandi e gestualità più intense con un’intensità nervosa che richiama i paesaggi tachipsichici di un altro artista eclettico come Brian Eno: una strada che ha un solo sbocco possibile, quello delle maestose installazioni ambientali necessariamente costose (un percorso che sta cercando una via di sbocco in un ambizioso progetto in gestazione con Davide Davì Lamastra dedicato ai martîri delle donne). Fortunatamente, almeno dal mio personale punto di vista, sono arrivate a fare tirare un sospiro di sollievo a quanti apprezzano i suoi lavori più distesi le creazioni delle “Miniature Strutturate” di cui potete vedere qui alcuni esemplari. “In fondo al mar” Rispetto agli altri percorsi, questi sembrano momenti di requie con esplorazioni della natura dalle emozioni impressioniste come le immersioni di “In fondo al mar”, la rivisitazione delle Città Invisibili di “Trame di rame” o l’incursione nella calligrafia Shōdo di “Ologramma”, dove riscopre la poesia del giardino zen su una tavola taoista, con tratti sobri che poggiano su un continuum dal mezzogiorno luminoso yang alla profonda notte dello yin. “Ologramma — Shōdo” Sono momenti… veri e propri istanti di contemplazione dove ritornare all’amata materia degli smalti. Potrebbe bastare così, ma la genialità emerge dal ruolo che assume la presenza della cornice (realizzata in collaborazione con il maestro artigiano Davide Grande): questi istanti di contemplazione fra il bucolico e il meditativo appaiono attraverso il buco della serratura del metallo grezzo e l’effetto che ne sortisce è come se il paesagismo si trovasse racchiuso nei Piombi veneziani, in cui l’artista prigioniero ricostruisce un suo esterno, ritrovando una pace possibile in mezzo all’esasperazione del Kali Yuga. “In fondo al mar… in fondo al mar” Le “Miniature” di Graziano Rey sono un inno alla Sostenibilità per quanto “rinnegata”, relegata com’è a degli intervalli fra una tela sempre più intensa ed una sempre più gigantesca. “Piccolo è bello” è stato un motto per lunghi anni famoso grazie al libro di Ernst Friedrich Schumacher, e questo è proprio il caso di queste opere di Rey. Le miniature stanno alle tele come gli haiku stanno all’Iliade o alla Divina Commedia. Sostenibilità è anche a cavallo fra pop art e arte povera, nell’incontro fra materiali di recupero come il legno e come il ferro. La coniunctio oppositorum fra l’artigianato della falegnameria e il richiamo alla rivoluzione industriale del metallo, offre uno spaccato di archeologia industriale come rifugio della poesia e della natura. “Trame di rame” Ecco, dunque, che questa interpretazione dello spazio tridimensionale nelle due dimensioni del dipinto incastonata fra le cornici di Rey fa di queste “miniature” dei veri e propri giganteschi Loft industriali in un gioco di prospettive che costringe l’osservatore ad avvicinarsi di più al metallo della serratura, che trasforma il quadro in una scatola ottica, un gioco di prospettive che reinventa la profondità senza il sacrificio del pittore, o quello dei materiali, dalle paste alle tele. “Ologramma — Shōdo” (dettaglia) Una strada sciamanica o buddista, l’incontro con la sobrietà, l’essenzialità… il matrimonio fra l’austerità monastica e la dolcezza poetica. Per tutte queste ragioni le “Miniature” di Rey sono dei mandala per una pace possibile nel nostro tramonto espressivo occidentale.
La fabbrica dei giocattoli Istrione del colore, pifferaio magico, Willy Wonka, Graziano Rey in questa collezione di opere assume il ruolo di artista affabulatore che conduce alla fabbrica dei sogni. Una sorte di viaggio nell’universo incantato dell’immaginario delle favole. Un viaggio visivo. E ipnotico nei mondi dei giochi linguistici alla Alice nel paese delle meraviglie dove realtà può essere ribaltata nella sua espressione linguistica. Per questo il lavoro di Rey oltre al carattere ludico ed estetico porta con se un livello di lettura più complesso e connesso al suo lavoro sulle tessiture cromatiche e sugli intrecci di colore della sua poetica visiva. Da musicista e compositore Rey sa armonizzare la partitura per quello strumento mai meccanico che è la pittura riuscendo ad impersonare il ruolo di chef di una nouvelle-cuisine del colore che sa impiegare la materia prima dei desideri. Collage e materia pittorica si fondono in un gioco caleidoscopio di invenzioni formali veloci e capaci di generare empatia a prima vista, assemblaggi spesso spiritosi originati da un calembour visivo, un corto circuito concettuale che prende spunto da una impostazione materica ed un impasto di colori densi per arrivare a comporre veri e propri capricci visivi, variazioni sul tema, pastiche pittorici che prendono spunto dall’arte concettuale e povera per de-costruire il rigore etico ed il clima austero e reinterpretarlo in un gioco di opere giocose dal gusto apparentemente naif. In un momento di massima celebrazione e dominio culturale e mediatico della cucina d’autore, l’artista si serve di corde e altri materiali poveri per realizzare prelibatezze visive e vivaci composizioni che prendono spunto dalla ricerca compositiva e formale di piatti stellati tanto celebrati in questi ultimi anni. In questo ciclo di opere Graziano Rey mette in azione un dispositivo di ispirazione inverso al meccanismo in atto nell’alta cucina creativa, se lì i piatti tendono ad assumere una costruzione formale sempre più ispirata all’arte della composizione visiva con un intenzionale distacco dall’aspetto tradizionale dei piatti, nel caso dell’artista l’ispirazione parte proprio dall’astrazione mimetica dei piatti resi quasi astratti dalla disposizione minimalista secondo gli stilemi della nouvelle-cuisine. Pensiamo anche all’arte giapponese di creare sculture falsi piatti o di scolpire alimenti con forme astratte e geometriche. Il mondo degli alimenti dipinti o dei cibi scultura si fonda su una pratica insieme evocativa e interdittiva del piacere orale. I piatti diventano iperrealisti e seduttivi ma decisamente non commestibili. Un piacere evocato ma rinviato, sospeso e inaccessibile. Dunque si può rilevare un livello di lettura psico-dinamico e pedagogico in questo ciclo di opere apparentemente ispirate esclusivamente al piacere di un divertissement regressivo. Il gioco è un mondo strutturato dal rispetto di ruoli e regole, è uno spazio mentale immerso regolato da codici di condotta e da aspettative di sospensione del tempo. L’arte è un gioco che rispetta le regole dello stupore e del gusto, ed è una macchina produttrice di desideri regolati da una cornice di norme. La fabbrica dei giocattoli è in fondo un sogno iperbolico, un sogno dei sogni: il desiderio di varcare la soglia del laboratorio del piacere infantile, del luogo di creazione di quel tempo sospeso che sono i giochi. Vittorio Raschetti
Disegnatore, fu costretto per motivi famigliari a lavorare fin da giovane età. Le condizioni economiche ed il suo carattere lo portarono ad avere fin da subito un grande trasporto con la gente. Carattere estroverso, ilare, non costruito ma di una prorompente comicità , fu chiamato ripetute volte nelle televisioni Nazionali diventando ben presto un personaggio riconoscibile e riconosciuto In quel periodo della sua vita abbracciò esperienze musicali e teatrali. Ma la vita a Torino gli sembrava stretta e aveva necessità di evadere dal quotidiano e di scavare nel profondo della sua anima per trovare finalmente un nuovo modo di esprimersi e di realizzarsi. Dove finì per trovare tutto questo?? Ma nelle isole di Tonga dove in pochissimo tempo, nuovamente riuscì a catturare l’attenzione della popolazione fino a diventare amico intimo del Re. Lui, la sua chitarra e le giornate che passavano. Ogni giorno però lo avvicinava alla soluzione di quello che sentiva dentro e che sarebbe stato il suo motivo di vita. Graziano Rey al Maurizio Costanzo Show Infatti dopo un anno, ritornò a Torino e dopo un piccolissimo lasso di tempo, si organizzò per esprimersi attraverso la pittura. In ogni caso lo spettatore veniva rapito e colpito con violenza da emozioni personali che solo i veri artisti sanno comunque e sempre donare. Arrivato a piena maturità, oramai scandisce a ritmi quasi regolari, come il battito del suo cuore, la necessità di comporre opere e di presentarle alla gente che ricambia ogni volta con affetto e con esultanza, facendo a gara per accaparrarsi le sue opere. Materico, ora drammatico ora gioioso, ora lieve ora cruento ma sempre immediato e diretto. Impegnato oramai in progetti Nazionali ed internazionali nel 2014 decide di impegnarsi per concrete manifestazioni ed appuntamenti all’estero. La vita scorre veloce ed il Mondo è immenso. Ma Graziano Rey corre in fretta e sa che potrà ben presto abbracciarlo tutto e parlare con lui. Lo farà ridere e piangere e sempre commuovere ed emozionare. Luigi Mazzardo
La collezione “Strutture”, in esposizione non può esibire totalmente l’irrefrenabile estro artistico di Graziano Rey, artista poliedrico e caleidoscopico. Quello che possiamo vedere è un concentrato di opere, in parte appena terminate ed in parte del passato, confluenti in altri cicli, unificate dallo studio che caratterizza l’intera carriera dell’autore, e che termina nelle “Strutture”. Si evidenzia lo studio del materiale tessile, ovvero i supporti più disparati, da cui l’artista inizia ad abbozzare l’idea creativa, e crea da sé le basi, che diverranno tele o opere d’arte più complesse. Inizia a trattare le superfici con diverse tecniche che garantiscono il giusto assorbimento del colore, studia la densità del materiale da apporre al “supporto” per poter ottenere l’effetto voluto. Si può quindi dire che partendo da una idea di ciò che vuole realizzare, come Michelangelo, Rey vede nella trasparenza delle trame ciò che deve essere estrapolato, ma la conclusione della creazione è una sorpresa per lui stesso… Non c’è un tempo prestabilito per confezionare un capolavoro, anche perché ogni supporto è diverso e ogni materiale colorato si deposita in maniera particolare… Ecco perché l’autore li racchiude in cicli… in base al sostegno, al tema e al “periodo” storico. All’interno di ogni singola opera ci si può tuffare con l’immaginazione ed immergersi in paesaggi o mondi incredibili, dimensioni parallele, con tutto il nostro corpo. Si rimane attratti come una luce nel buio, quasi una certezza del bello al di là della cortina materiale dell’opera d’arte. La sicurezza è che l’emozione che se ne ricava è frutto di un dialogo profondo e personale tra noi spettatori e il quadro che ci sta di fronte. Ecco in questo silenzioso connubio che l’artista scompare dietro le quinte dell’opera e permette un confronto diretto, spesso anche tattile con l’Arte. La scelta degli oggetti esposti è legata alle strutture e al materiale che le compone, partendo dallo studio del tessile o dalle basi, fino al compimento. Da materiale “trovato, giunto” si arriva a creare quelli che poi formano i cicli di opere dell’arte dell’autore. - Polittico “Pentagramma”: è formato da cinque tavole incastonate in un’unica struttura, che ricorda le note musicali. Ha un dominio predominante di bianco e il dripping delle gocce verdi e nere, richiama melodie musicali. Questa, come la maggior parte delle collezioni dell’artista, grazie al colore e alla matericità delle paste, apre varchi non solo nell’immaginazione fotografica o visiva, ma anche nella memoria sonora. Probabilmente essendo stato legato molto anche all’ambito musicale, Graziano Rey riesce a dare una musicalità all’immagine rappresentata.
Camminare sulle pendici dell’Etna è una delle esperienze più meravigliose che si possa fare. Dalla cima, lo sguardo si perde negli innumerevoli strati di colori, il giallo della ginestra, il verde dell’arbusto, il rosso della sabbia portata forse dal mare. Le tonalità della terra si sfumano con il grigio dei nuvoloni sempre carichi di pioggia. Un paesaggio inconfondibile, incorniciato dal nero della pietra lavica, che piano piano prende il sopravvento. Un nero così profondo, così intenso, un nero trafitto dal vento, in un cui riecheggia il silenzio. L’eterno. ll vulcano, che da un’altra era, da un altro tempo, colora il mondo e lo forgia, lo plasma con i suoi zampilli e le sue colate. Due passi sull’Etna, un sobbalzo, un contraccolpo fortissimo. L’animo si incastona nella roccia e, rapito dalla materia, è trascinato lontano – forse salvato? Liberato? Sicuramente destato. E questo accade - o meglio in potenza può accadere - davanti alle opere di Graziano Rey. Davanti ai suoi tratti repentini di colore che emergono dallo sfondo. Davanti alle sue Dicotomie e alla velocità di passaggio dal chiaro verso l’abisso della profondità dei toni scuri. Davanti alle sue superfici che vengono incontro, protese in abbraccio. La tela, intessuta nel colore, diventa protagonista, canapa, lino, cotone accolgono sabbia, talco, smalti e acrilici. Rey abbraccia l’informale, crea una base materica irregolare e avvolgente, che va a completare con tratti di pennello e spatola. Segni, guizzi di colore, che rapiscono il nostro sguardo, mostrandoci una direzione, una via. Le superfici tattili dell’artista creano attimi eterni, atmosfere rarefatte, suggestioni vibranti. Sono opere capaci di portarci lontano. Un vero dono, che però bisogna saper cogliere. Ed è questo forse il più grande insegnamento che Rey ci mette davanti, l’artista fa risuonare la sua voce, una scintilla vitale che brilla di fronte ai nostri occhi.
Moloch Blues Esposizione Artistica Collettiva Itinerante CAFFE’ BASAGLIA via Mantova n° 34 TORINO Vernissage: sabato 6 aprile 2019 ore 19.30 Artisti: ROGER BALLEN GRAZIANO REY SERGIO ZAGALLO SILVIO PASQUALINI CARLO ANDREOLI GIANNI MIRAGLIA Presentazione di Vittorio Raschetti Mostra a cura di Annarita Rossi L’Esposizione artistica partita da Venezia (Biennale 2017), col suo iniziale e ormai noto titolo de L’OMBRA DEL MOLOCH, e proseguito a Palermo, Vicenza, Torino e Roma nel 2018, ritorna nella città di Torino, all’interno del suggestivo ed amato Caffè Basaglia. La mostra, pensata e realizzata da un’idea di Annarita Rossi, con la collaborazione dell’autore di testi teatrali Simone Di Via, ed il curatore e critico Robert Carlo Phillips, nasce come spunto dalla poesia di A. Ginsberg “ L’urlo” del 1958. “Moloch! Moloch! Moloch la cui anima sono elettricità e banche! Il cui sangue è denaro che corre! Si sono rotti la schiena per innalzare Moloch al cielo!” Howl, Allen Ginsberg, 1958 Da quella controversa ma straordinaria sfida lanciata alle nostre coscienze nasce questa mostra itinerante. Come nel progetto fin dal suo inizio, questa Collettiva è cammino condiviso che segue e insegue la missione propria dell'arte. “... Ogni giorno la gente d’Occidente svende un pezzo della propria anima per innalzare Moloch al cielo. Storpia la propria Natura per deificare questa cattedrale di luci corrotte. Sacrifica e spegne la propria luce per tenere acceso il Moloch. Ne abbiamo fatto un Dio e i suoi angeli ci sussurrano bisogni artificiali di cui ormai non possiamo fare a meno. Angeli dai nomi già mitici: Visa, Amazon, Sony, Samsung. “Mors tua vita mea” esclamano i monitor, i neon, gli slogan. Un fantasma si aggira sotto i grattacieli di New York, ma potrebbe essere Milano, Madrid, Parigi. O qualsiasi città globalizzata Asiatica o Medio-Orientale che s’illude che l’idea di moderno Occidentale sia in qualche misura salvifica. Il nemico non è più al fronte, ma nella tasca della giacca e ogni tanto squilla...” Simone Di Via “Ben povera cosa sarebbe un'esposizione dove il racconto è racconto e l'immagine è immagine. Di fronte ai narrati ogni epoca sa cosa cercare di sé stessa e ognuno di noi ha, nel proprio specchio, l'immagine distorta di una melanconia ovattata; di quello che dovrebbe essere il proprio “se”. Allora dove le immagini, pittoriche o fotografiche, facessero riferimento solo a sé stesse, snaturate e allontanate dal mondo che le ha create o ispirate, solo allora l'inganno sarebbe compiuto e l'Ombra avrebbe vittoria. Ma qui non c'è inganno né travisamento, c'è solo il desiderio di narrare, con l'immediatezza del dire, il quotidiano divenire di una follia che chiamiamo “società civile” o “modernità” dove, l'artista, che può vedere, mostra, rinunciando alla parola, figure ed eventi che anticipano l'atto per mezzo dell'unico alfabeto accettato: quello dei simboli tangibili di una mai accettata, ma ineluttabile sentenza”. Robert Phillips su L'ombra del Moloch Torino 2018 I sei straordinari artisti di Moloch Blues conducono coraggiosamente fra le pieghe del nostro esistere. Di fronte al Moloch e alla sua autoproclamata invulnerabilità, oppongono specchi per la nostra coscienza, ironia, “clandestina” reizione, il nostro radunare le forze, riaccendere i fuochi, ballare musiche sommerse, sorridere da una visione a volo d’uccello sulla nostra stessa ombra e la volontà risoluta di attraversarla, per riaprire il campo del possibile nuovo e capovolto inizio. Annarita Rossi ROGER BALLEN, ritenuto il fotografo artistico più significativo del nostro secolo. Americano di nascita e sudafricano di adozione ( Johannesburg ), geologo e psicologo, che da oltre quarant’anni fotografa il degrado della società. Definito geologo dell’anima, espone in questa collettiva la sua opera " The Theatre of Apparitions" , in cui ci conduce nella sua ricerca sul mistero-uomo, sul mistero-universo, invitandoci a non alzare difese, ma guardare ad occhi aperti quel buio che è il nostro stesso buio, ed attraversarlo con coraggio. SERGIO ZAGALLO, scultore veneto,( Campolongo Maggiore, PD), pittore e autore di installazioni. Conosciuto soprattutto attraverso i suoi bellissimi “homeless”, impressionanti figure sdraiate, vestite degli abiti dell'artista stesso, nelle quali egli lega meditazione esistenziale e riflessione sociale. Ci costringe a sentirne il silenzio assordante fra le torbide nuvole del presente e lanciare un urlo di fortissimo impatto alla nostra coscienza. Nella sua vasta produzione artistica, l’interesse per la figura umana è assai ricorrente, esplorandone la materialità e la fisicità del corpo con particolare attenzione alla sua rappresentazione e percezione in un contesto di cultura di massa, poiché è al suo interno che si trova spesso la nostra luce più autentica. GRAZIANO REY, artista torinese, già uomo di spettacolo, che converte dopo anni di televisione e cabaret, la propria impellenza creativa ed espressiva nel gesto pittorico ispirato ed emozionale. Generoso e compiuto nella propria missione artistica che viveva in lui da sempre. “Il Moloch, Dio- Demone a cui nell’antichità si dava in sacrificio la purezza, si trasforma metaforicamente nella società da noi stessi creata e che fagogita la nostra linfa più preziosa. Ma l’arte questo non lo permette. Così il senso di annichilimento viene descritto raccontato, trasmutato… nel mio caso, nelle mie opere sento il bisogno di esprimere e regalare scampoli di panorami incontaminati e di paesaggi visionari, quelli che temiamo invece di veder scomparire. Credo che ancora e sempre, l'arte possa percorrere il suo coraggioso cammino, lasciandosi alle spalle la paura. Mi sento di dire che noi artisti ci siamo, ancora, più che mai, come una voce che risuona della propria scintilla vitale. Graziano Rey SILVIO PASQUALINI Gestuale e segnica la pittura di Silvio Pasqualini, l’artista con le sue carte crea un alfabeto dell’inconscio dove la pluralità di contrasti avvolge l’occhio in un’inspiegabile seduzione. Le sue opere son intrise di un movimento drammatico eppure risolto, dove l’accumulazione dell’energia trova una rete quasi biologica di fiorita espressione e una complementare negazione segnica. Forse vi è anche la stratificazione plurima del tempo a segnare questi lavori che con l’eloquenza muta, quasi prepotente, tirano lo sguardo dello spettatore in un vortice vitale carico del tutto. Mosè Previti ( dal catalogo della mostra Universi ) CARLO ANDREOLI, Distruzione, creazione, penetrazione della realtà, come uno street painter che usa la tela senza mezzi toni nell’espressione schietta e spesso ironica di drammi umani e sociali, scritte sgrammaticate o in dialetto ferrarese, non cercata ma insita limpidezza di messaggio. Alo sa insegnare il gioco dell’ironia su se stessi, sul fuori, in sintesi di una missione umana dell’uomo artista, dell’uomo libero dentro gabbia comune. Andreoli fa respirare a pieni polmoni, restituisce pensieri liberi da qualsiasi senso di oppressione. Lui che racconta di oppressione, di ingiustizia e dolore, paradossalmente, raccontando e dichiarando, ce ne libera, ci solleva dal peso, con un volo nel pop, col suo sarcasmo "ridente", con la sua prorompente positività a dispetto di tutto. In una sua opera giovanile, accostando S. Giorgio ad una sua foto, appare la scritta " Da morto mettetemi in un posacenere. Grazie." ! GIANNI MIRAGLIA Gianni Miraglia è ammarato da una nave dei folli incagliata nella ridondanza della citazione, nella frequentazione dello spazio mentale del disagio commerciale della parola che svende gli ultimi lembi di libertà: Opere nate come sfida alla dis-grafia, oltre il destino dell’inattitudine pittorica agite da un automatismo del grattare quel che resta sulla superficie: opere nate sottocutanee, nei bassifondi del colore, ma in grado di ridestare un sospiro di malinconica struggente fuga del destino della normalizzazione del consenso social. Opere vibranti di attualità, pronte a disseppellire la prevedibilità ed innescare detonatori politici, campi minati del senso, pronte a un dissenso radicale verso ciò che nasconde l’anima e impedisce il moto di reazione al disastro sociale, ala deflagrazione antropologica. Vittorio Raschetti
Le miniature Sbaglia chi pensa che nelle Miniature di Graziano Rey emerga un ripiegarsi dell’artista dall’arte intellettuale che ha caratterizzato il periodo maggiormente astratto per compiacere lo spettatore alla ricerca di un’immagine figurata di maggiore semplicità. È vero che gli ultimi lavori ricordano un certo impressionismo, soprattutto quello di William Turner, ma il percorso che ci porta a questi risultati può essere definito come una evoluzione dell’interpretazione dei dettati della materia da parte dell’anima dell’artista. Se nel puntinismo di Pissarro era il colore a dare forma alla figura facendo passare in secondo piano il tratto, l’elemento di disegno da cui traevano origine le immagini, in ogni caso era la situazione la testimonianza del momento a guidare le scelte dell’artista. In Turner le forme venivano velate dal mood, dallo stato d’animo del pittore. L’evento continua ad esistere, ma è la partecipazione emotiva dell’artista a venire descritta dai colori, non più netti per definire i contorni, ma diffusi a cancellarli, a distrarre lo sguardo dell’osservatore dal “che cosa” al “come” e in particolare al come mi fa sentire. Rispetto al passato, quando Graziano seguiva il fil rouge imposto dalle collezioni che ispiravano il periodo che stava attraversando, il nuovo stile, nato all’ombra delle miniature, della “decrescita felice” dell’artista, che non sente più il bisogno di gridare il messaggio su grandi pannelli con il sacrificio dei materiali, oggi è il singolo lavoro a trovare posto nella particolare classificazione che si trova nelle categorie del catalogo delle collezioni (anche on line nonostante gli aggiornamenti spesso manchino e si trovino purtroppo sparpagliati inopinatamente sui social più trash). È ad esempio il caso dell’interpretazione del dramma del crollo del ponte di Genova raccontata ne La mia Genova che trova coerentemente posto nella collezione Eventi, quella dell’artista testimone del suo tempo dove il cielo di sangue si staglia sul mare di cemento in un orizzonte quasi indistinto dagli archi luttuosi, un tratto senza figura. Al contrario, “Il laghetto” trova posto fra le Impressioni, con la capacità che ha il senso di lieve vertigine che provano i bambini quando si lasciano rotolare lungo il declivio erboso fino a fermarsi sulla pace del lago. Il ponte di Genova dell’adulto consapevole contrapposto alla pace gioiosa del lago del bimbo che è in ognuno di noi è un esempio perfetto della tensione, della contrapposizione fra il mondo della storia e quello dell’essere vivente. Image for post Il Laghetto Possiamo ancora essere diversi da come ci siamo maledettamente costruiti. E per poterlo fare dobbiamo lasciarci ispirare dalla natura, non acriticamente, ma delicatamente. La via la accenna proprio l’artista che passa dall’imporre il proprio pensiero formale alla materia e ai colori usati, al farsi interprete della voglia di esprimersi che hanno le paste, i metalli, i cementi… Si percepisce la posizione assorta dei pittore, proprio come un medium che riceve dallo spirito dei materiali il tratto da imprimere allo schermo con cui il segno si sposa al materiale mai ovvio su cui si congiunge ora amorosamente ora rabbioso. Da questa copula, quasi casualmente ecco che nasce la forma, per l’artista probabilmente involontaria, ma non così per i materiali che utilizza. Image for post In attesa dell’oasi Un lavoro che non trovate sul catalogo illustra al meglio quanto vado dicendo: nell’opera “In attesa dell’oasi; un acrilico su tela sabbiata 80x80 ” fra il terreno infuocato dal sole e lo spleen che incombe grigio dall’alto si insinua fragile come una goccia sfuggita dal pennello l’anima e il suo miraggio (anche se non sappiamo se il secondo si trovi in alto o in basso). Alla ricerca dell’oasi l’io sfuma quasi privo di valore, di peso, senza forze, debole, senza tuttavia aver perso la fede, la speranza di quella pace che trova posto nella costante di tutti i lavori di Graziano: l’orizzonte, a volte implacabile, a volte terribile, ma sempre presente come un imperativo, la missione dell’uomo. In definitiva, per guardare agli ultimi lavori di Graziano Rey bisogna imparare a farsi piccoli-piccoli, come in quel passaggio dei Man in Black, dove Franky il Carlino rimbrotta gli umani per la loro presunzione che per essere importante una cosa debba essere enorme e che una galassia non si possa trovare nel ninnolo del collare di un gatto. Guardate i suoi lavori da vicino, molto da vicino e ne scoprirete infinite sfumature, come se ogni dettaglio potesse essere un lavoro a sé. È questa la vera delizia della miniaturizzazione della materia per Graziano Rey: vive e si moltiplica come parti di infiniti frattali fra acrilici e legni, fra intelletto e corpo, fra impegno e metempsicosi. La materia di cui sono fatti i sogni. WRITTEN BY Ennio Martignago
Graziano Rey è nato a Torino ma ora vive in val Pellice. Ha all’attivo molte esposizioni e ha esplorato il mondo dell’arte, in particolare la pittura realista, come quello della musica. Da poco ha allestito la mostra “Alle porte del Pellice tra spirito e materia”, un titolo che ben descrive il suo approccio al lavoro artistico, esposizione dove ha presentato sia miniature di materiali vari sia tele di quattro metri. Dal 2000 si dedica in modo esclusivo alla pittura privilegiando l’uso dei materiali poveri e il riciclo, cominciando a cambiare approccio avvicinandosi a uno stile informale. La materia impiegata rivela apertamente il rapporto con il luogo scelto dall’artista come spazio per il proprio atelier: infatti tra gli smalti e la cementite si trova impiegata anche la Pietra di Luserna. Ma la valle non è solo questo: “C’è una convivenza di culture che si abbina e si rivela nella fede, in una coesistenza pacifica. Nella mia carriera ho creato opere che rivelano la relazione dell’uomo con Dio, tema sempre presente nei miei quadri”. Il linguaggio informale dell’opera riesce a catturare dei momenti, delle presenze che sono intorno a noi andando al di là del figurativo creando un tutt’uno fra più livelli di comprensione. Graziano Rey vuole, riuscendoci, raccogliere e imprigionare delle energie sulla tela riassumendo sul supporto materico l’atmosfera circostante: uomini, natura e spirito. Non mancano anche i riferimenti musicali: “Nella mia vita è molto importante la musica, per molto tempo mi ha dato da mangiare e poi, nel 1993, un viaggio alle isole Tonga ha segnato un cambiamento, riportandomi più vicino all’arte grafica“. Spirito non soltanto interpretato dalla teologia cristiana, ma che l’artista coglie anche nelle tradizioni più lontane e animistiche. Qualsiasi elemento della vita e dell’ambiente ha influenzato lo stile di Graziano Rey per portarlo, come spesso accade, sempre più vicino alle radici, alla terra degli antenati: la val Pellice. Valle che è spazio, mezzo e spirito attraverso cui l’artista si esprime. Susanna Ricci dall’ Eco delle Valli Valdesi
Roma 2018 a cura di Gigi Mazzardo e Anna Rita Rossi
http//www.grazianorey.it2017 - Personale sull'arte del Riuso critica di Ennio Martignago
http//www.artedelriuso.itRINASCITA L'INFORMALE DI GRAZIANO REY a cura di ART & ART di Chieri e Arte incontra di Nichelino. Inaugurazione 21 giugno 2021 ore 17,30. La mostra si concluderà il 27 giugno. Locali della Famija Moncalereisa in Via Alfieri 40 Moncalieri. Ingresso gratuito.
